Surrealismo en diseños de tatuaje – conoce a Ilya Brezinski
Con sede en San Petersburgo, Rusia, Ilya Brezinski es un artista del tatuaje e ilustrador de creación de piezas de arte monocromáticas, tanto en piel como sobre papel. Sus diseños van desde los motivos poéticos y el realismo frío al surrealismo de ensueño.
Surrealismo – los tatuajes de Ilya Brezinski
Su representación de objetos de la vida cotidiana, así como animales y verduras es, de hecho, algo que sale directamente del reino del subconsciente y los sueños. Visiblemente llamativos, sus tatuajes son audaces, encantadores y llenos de humor. Probando que todo puede ser arte, Ilya Brezinski no ha terminado de sorprendernos. Podemos encontrarlo en Instagram para tatuajes más oscuros y misteriosos.
Los diseños de tatuaje que nos gustaría presentar, son particularmente interesantes en varios aspectos. Prueban que el tatuaje ya no es lo mismo que era hace unas décadas. Sus técnicas son una reminiscencia del puntillismo, en el que la imagen en sí fue diseñada con la ayuda de muchos puntos. El tatuador crea diferentes tatuajes con un diseño surrealista, con tecnología de punta, que principalmente sirve para crear efectos 3D.
Sus ideas de tatuajes son impresionantemente artísticas y de muchas formas que recuerdan a las obras de varios artistas, entre ellos Georges Seurat y Paul Signac, Salvador Dali y otros representantes del surrealismo. Sus diseños de tatuajes adornan la piel de una manera especial y los deseos y expectativas de los clientes se adaptan a los diseños.
Ya sea como un tatuaje del antebrazo, en la pierna, los hombros, el pecho o la muñeca, un tatuaje de Brezenski siempre se verá impresionante. Las ideas del cliente y las suyas propias son analizadas cuidadosamente. Los diseños de tatuaje que se puede ver a continuación le servirán de inspiración. Lleve el arte popular de tatuarse el cuerpo a nuevos niveles con motivos únicos de Brzezinski.
Las formas orgánicas se combinan con lo artificial. Así, en este ejemplo de un paisaje espacial se puede ver Saturno y otros planetas, así como una estrella fugaz.
El paisaje se caracteriza además por rocas afiladas y un edificio.
Las formas de Ilya son predominantemente monocromáticas y a menudo no limitadas por los límites habituales, a veces viajando por todo el cuerpo. Pero lo que hace que algunos de ellos sean aún más convincentes es que son un grupo de puntos, cuidadosamente entintados en estos maravillosos diseños. El estilo es muy evocador del puntillismo, que fue inventado por los artistas franceses George Seurat y Paul Signac en 1886.
Podemos pasar a centrarnos en algunos de sus diseños, pues éstos son realmente variados.
El artista es capaz de plasmar sobre la piel una imagen que muestre mucho más que un poco de tinta derramada.
El simbolismo de sus obras llega a formar un vínculo especial entre tatuador y cliente, algo que es difícil de lograr hoy en día.
Las obras no tienen similitud aparente entre sí, pero difícilmente podríamos confundir un diseño de Ilya Brezinski.
Usted puede acordar con el artista el diseño de uno de sus mejores sueños. Un tatuaje de Brezinski puede conseguir reflejar su verdadera personalidad sobre la piel, y hacer que se vea increible.
Ciertamente el tatuador brinda una oportunidad única de portar diseños exclusivos y originales que difícilmente se pueden imitar.
El puntillismo es combinado con imágenes surrealistas que provienen de la mente del artista, y el resultado es siempre asombroso.
Para conocer un poco más acerca de su técnica, profundicemos en el puntillismo. El término puntillismo describe la técnica de la pintura neo-impresionista, en la que se aplican al lienzo cientos de pequeños puntos o rayas de color puro, con el fin de crear la máxima luminosidad.
Es decir, en lugar de mezclar pigmentos de color en una paleta y luego aplicar la mezcla sobre la pintura, el puntillista aplica pequeños puntos de color puro sin mezclar directamente sobre la imagen y confía en el ojo del espectador para mezclar los colores ópticamente.
Visto a la distancia correcta (supuestamente tres veces la medida diagonal), los puntos de color dan un efecto más rico y sutil que el que puede conseguirse mediante técnicas convencionales. El puntillismo (en realidad una rama del divisionismo) fue el estilo más influyente de la pintura post-impresionista (1880-95) y fue practicado por pintores postimpresionistas de varias escuelas diferentes. El divisionismo italiano, dirigido por Vittore Grubicy De Dragon (1851-1920), fue especialmente activo.
El puntillismo se refiere estrictamente al tipo de marca que se hace en el lienzo (el punto). La teoría real de la mezcla de pigmentos de pintura ópticamente, en lugar de en una paleta, se conoce como divisionismo (o cromoluminarismo). Para confundir las cosas aún más , diremos que el puntillismo era el estilo estilo francés de la pintura conocida como Neo-Impresionista. En otras palabras, los pintores neo-impresionistas absorbieron las teorías del color del divisionismo y emplearon la pincelería puntillista para crear los colores más luminosos.
El fundador del puntillismo era Georges Seurat (1859-91), un estudiante modelo en la École des Beaux-Arts en París. Pintor clásico tradicional y convencional, rechazó el impresionismo, un estilo de pintura y color basado en las respuestas subjetivas del artista individual, en favor de un método más científico que desarrolló alrededor de 1884 y que se llamó cromoluminarismo. Basado en la teoría científica del color del químico francés Michel Eugene Chevreul (Ley del Contraste de Color Simultáneo, 1839), y el físico americano Ogden Rood (Modern Chromatics, 1879), el método fue utilizado hasta cierto punto por los pintores impresionistas, pero sólo Sobre una base ad hoc, y no se desarrolló sistemáticamente hasta Seurat.
El principal discípulo de Seurat fue el ex impresionista Paul Signac (1863-1935). Signac, un artista del paisaje costero, fue fuertemente atraído por el método científico detrás del puntillismo y el divisionismo y, después de la muerte de Seurat en 1891, se convirtió en el principal exponente del movimiento neoimpresionista. Además de pinturas al óleo y acuarelas, también produjo una serie de litografías, grabados y dibujos a lápiz y tinta compuestos de pequeños y laboriosamente establecidos puntos. Signac, un fuerte partidario de artistas más jóvenes dentro del movimiento del Postimpresionismo, fue según informes la primera persona en comprar una pintura de Henri Matisse.
Seurat y Signac siguen siendo los máximos exponentes del puntillismo. Además de ellos, el impresionista Camille Pissarro (1830-1903) también fue un miembro activo de la escuela, al igual que Henri-Edmond Cross (1856-1910), y Maximilien Luce (1858-1941) que retrató la sociedad industrial y el trabajo- Escenas de clase.
Por su parte, el surrealismo es el movimiento en el arte visual y la literatura, florecido en Europa entre las dos guerras mundiales. El surrealismo creció principalmente a partir del movimiento anterior, que antes de la Primera Guerra Mundial produjo obras de anti-arte que deliberadamente desafiaron a la razón; pero el énfasis del surrealismo no estaba en la negación sino en la expresión positiva.
El movimiento representó una reacción contra lo que sus miembros vieron como la destrucción causada por el “racionalismo” que había guiado la cultura y la política europeas en el pasado y que había culminado en los horrores de la Primera Guerra Mundial. Según el principal portavoz del movimiento, el poeta y crítico André Breton, que publicó El Manifiesto Surrealista en 1924, el Surrealismo era un medio para reunir los reinos conscientes e inconscientes de la experiencia de tal manera que el mundo del sueño y la fantasía se uniría al mundo racional cotidiano en ” Una surrealidad “. Basándose en las teorías adaptadas de Sigmund Freud, Breton vio el inconsciente como el manantial de la imaginación.
La pintura surrealista fue influenciada no sólo por el dadaísmo sino también por las imágenes fantásticas y grotescas de pintores anteriores como Hieronymus Bosch y Francisco Goya y de contemporáneos más cercanos como Odilon Redon, Giorgio de Chirico y Marc Chagall.
La práctica del arte surrealista enfatizó fuertemente la investigación metodológica y la experimentación, haciendo hincapié en la obra de arte como un medio para impulsar la investigación psíquica personal y la revelación. 
Los principales pintores surrealistas fueron Jean Arp, Max Ernst, André Masson, René Magritte, Yves Tanguy, Salvador Dalí, Pierre Roy, Paul Delvaux y Joan Miró. El trabajo de estos artistas es demasiado diverso para resumirse categóricamente como el enfoque surrealista en las artes visuales. Cada artista buscaba sus propios medios de autoexploración.
Algunos persiguieron una revelación espontánea del inconsciente, liberados de los controles de la mente consciente; otros, notablemente Miró, usaron el surrealismo como un punto de partida liberador para una exploración de fantasías personales, conscientes o inconscientes, a menudo a través de medios formales de gran belleza. Se puede distinguir una gama de posibilidades que caen entre los dos extremos. En un polo, ejemplificado en su más puro por las obras de Arp, el espectador se enfrenta con imágenes, usualmente biomorfas, que son sugestivas pero indefinidas. 
Cuando la mente del espectador trabaja con la imagen provocativa, las asociaciones inconscientes se liberan y la imaginación creativa se afirma en un proceso de investigación totalmente abierto. En mayor o menor medida, Ernst, Masson y Miró siguieron también este enfoque, denominado de manera diversa orgánica, emblemática o absoluta. 
En el otro polo, el espectador se enfrenta a un mundo completamente definido y minuciosamente representado, pero que no tiene sentido racional: las imágenes completamente reconocibles y realista- mente pintadas son removidas de sus contextos normales y reagrupadas dentro de un marco ambiguo, paradójico o chocante. El trabajo pretende provocar una respuesta simpática en el espectador, forzándolo a reconocer el “sentido” inherente de lo irracional y lógicamente inexplicable.
